Lo que pasó: Bam Bam – Futura vía

Futura vía no sólo es el mejor disco de una banda de Monterrey en el 2011 que acaba de cerrar. Es el mejor disco probablemente desde los golden years de la Avanzada Regia, lo cual ya es mucho decir. Bam Bam debutó en 2008 con un disco homónimo poco prometedor, grabado de manera independiente y descargable en Nene Records. Lo mejor que les pudo pasar es fichar con la disquiera Arts & Crafts México y contar, para su nuevo disco, con la producción de Martin Thulin  (responsable, entre muchísimas cosas, de otro de los discazos del 2011, Telememe de Jessy Bulbo). El resultado está a la vista (al oído, más bien). Futura vía despliega un pop psicodélico alucinante, explosivo y arriesgado, que igual goza el noise en capas y capas de instrumentos, pero que tampoco tiene miedo en reverenciar a los Beatles o a los Beach Boys. Probablemente Futura Vía pasó sin pena ni gloria en el panorama del “rock” mexicano, pero pinta para convertirse en un disco de culto. Ahora la pregunta es, ¿qué nos entregará Bam Bam a continuación?

Escucha Futura vía

Lo que viene: Menuda Coincidencia – El nefelibata

El 2012 nos recibió con el esperado segundo disco de Menuda Coincidencia.  En 2008 impactaron con su debut, Ai con permisito, que ya mostraba el impresionante flow de José Miguel Soto. En este nuevo material su hermano Guillermo ya no participa en los beats y se nota. Los atractivos y frescos samples jazzeros de su primer disco lucen por su ausencia y el disco pierde impacto. Sin embargo, la buena noticia es que los brillantes scratches de Tocadiscos Trez siguen ahí en perfecto estado. Con todo, El nefelibata es un material destacado, donde vale la pena prestar atención a todo lo que tiene que contarnos Miguel en cada uno de estos temas: “Creo entonces que la polémica / no es si Biggie o 2 Pac, / sino quiénes en el track / dan materia polisémica”.

Escucha El nefelibata

Adele – 21
Fleet Foxes – Helplessness Blues
James Blake – James Blake
Wilco – The Whole Love
PJ Harvey – Let England Shake
Russian Red – Fuerteventura

Y de México, me quedo con:

Bam Bam – Futura Via
Torreblanca – Bella época
Los Dorados – Good/Evil
Zozaya – Martes de Pornopad

Y de pilón, les dejo un playlist con algunas de mis rolas favoritas de este 2011, para que se entretengan un rato:

Y la noticia del nombramiento de tales conjuntos musicales como Patrimonio Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO me ha provocado malestar e inconformidad.

Sucede que los mariachis han pasado a ser parte de la imagen light y esteriotipada de la mexicanidad apantallaturistas, al igual que el tequila o los cuadros de Frida Khalo.

Les juro que no tolero que en x situación social aparezca un nefasto mariachi y que, invariablemente, la primera canción que interpreten sea la “El mariachi loco”. Les juro que no lo soporto.

Los mariachis, de ser una de las creaciones más complejas y ricas de la cultura mexicana, han pasado a ser un espectáculo cada vez más deprimente, por no hablar de la crisis en la que se encuentra la música ranchera, a diferencia de tradiciones musicales vivas como el norteño o la banda, verdaderos valuartes de la mexicanidad.

Hace años -desde el Juan Gabriel ochentero, para ser más exactos- que no aparece algún compositor importante de música ranchera, mientras que los mariachis siguen estancados en un repertorio añejo, amén de que cada vez más son presa de las ocurrencias pop como el mentado y avergonzante “Mariachi loco”, por no hablar de cosas terribles tipo “Como quien pierde una estrella”.

Sigo esperando a que un día aparezca un compositor a la altura del inmortal José Alfredo, o mínimo un intérprete que dignifique el género, dejando de lado al deprimente Vicente Fernández, que debió retirarse hace muchos, muchos años.

Pero, si algo bueno nos deja este nombramiento de la UNESCO es la oportunidad de revalorizar el mariachi y de volver a sus raíces campesinas en Jalisco, de donde emigró a las grandes ciudades.

Al respecto les recomiendo un bellísimo volumen de la colección de la Fonoteca del INAH, El son del sur de Jalisco, volumen 1, donde podemos escuchar grabaciones de campo de mariachis auténticos, muchos de ellos sin trompeta, interpretando su repertorio más añejo de sones y jarabes.

Para que se animen, les dejo aquí un tema de este disco, un son popular conocido como “El tecolote”, a cargo del grupo de los Hermanos González, virtusísimo mariachi. Una grabación de la maestra Irene Vázquez Valle realizada en 1976 en Venustiano Carranza, Jalisco.

Debo aceptar que soy adicto a las listas. A leerlas, a analizarlas, a discutirlas, a crearlas. Ya les presente hace tiempo mi lista de discos favoritos de la década del 2000. Ahora me lancé a la aventura de concebir una lista de los mejores discos del rock mexicano de todos los tiempos. Aclarando, obviamente, que obedece a mi muy personal criterio/gusto/afición. Y entendiendo “rock” en un espectro amplio que engloba fenómenos tan peculiares como la electrónica y el hip hop. O séase, en pocas palabras, la música pop mexicana. Evité este último término debido a la confusión que podría generar respecto a la importante tradición pop/baladística mexicana que es un mundo aparte. Aclarado todo ahí les va, de atrás p’a delante:

30 – Rock! – Los Locos del Ritmo (1959)

¿Por qué? Por ser el primer disco en contener composiciones originales de rock n’ rolll (“Yo no soy un rebelde” y “Tus ojos”), por su frescura, por la voz de Toño de Villa, primer héroe en morir joven y dejar un cadáver bello en la historia del rock nacional.
Recomendable también: Hippies – Los Ovnis

29 – Atemahawke – Porter (2007)

Detrás de toda la patética faramalla de Juan Son había una banda increíble. De esas que se dan pocas veces en México. Lástima que el gas les alcanzó sólo para un EP y un LP.
Recomendable también: Mermaid Sashimi – Juan Son.

28 – Zoé – Zoé (2002)

Antes de convertirse en la banda más mamona y pretenciosa del rock nacional Zoé hacía buenos discos. Su álbum debut es ya un clásico. Con “Asteroide”, “Deja te conecto” y “Miel” este disco pasa el examen con nota alta.
Recomendable también: Rocanlover – Zoe

27 – Tijuana Sessions Vol. 1 – Nortec Collective (2001)

Electrónica + banda + norteña. La conmbinación ganadora que a nadie se le había ocurrido antes. No hay mucho más qué decir, Tijuana me hace feliz todavía.
Recomendable también: Tijuana Sound Machine – Bostich + Fussible

26 – Kinky – Kinky (2001)

De los estertores de la “Avanzada Regia” alcanzó a salir Kinky. Tremendo combo de fusión latina y electrónica. Un debut fresco e irrepetible, por desgracia.

25 – Tarará – Gerardo Enciso (2000)

Gerardo ya había creado un himno underground, “Amo a mi país”, en su ya lejano debut A contracorriente. Pero en Tarará desbordó su arsenal sonoro y lírico en 17 bellísimos temas. Un disco genial al que hace falta redescubrir y revalorar.

24 – No me hallo – El Personal (1988)

Julio Haro, otra de las glorias poco valoradas del rock nacional. He aquí el disco clásico de El Personal.

23 – Hu Hu Hu – Natalia Lafourcade (2009)

De Natalia Lafourcade estoy convencido que falta poco para que conciba su mejor álbum, que seguramente será uno de los mejores discos mexicanos de todos los tiempos. Pero Hu Hu Hu es una delicada y bellísima pieza que se acerca a ello.

22 – El diablito – Caifanes (1990)

A partir de El diablito, Caifanes empezó a sonar a Caifanes. Un disco tremendo, durísimo, que le debe mucho a la aportación sonora de Alejandro Marcovich. Aquí viene “La célula que explota”. ¿Es necesario agregar algo más?

21 – Restaurant – Jumbo (1999)

Un debut perfecto. Rock a secas y canciones magníficas. Suavidad y pesadez. “Dulceácido”, diría una de las rolas. Aquí vienen “Siento que” y “Fotografía”. Dos himnos.
Recomendable también: D.D. y ponle Play – Jumbo

20 – Elevator – Titán (1999)

Jay de la Cueva Post-Fobia y Pre-Moderatto. Emilio Acevedo Pre-Sonido Lasser Drakar y Pre-María Daniela. Dinamita Pura.

19 – Babel – Santa Sabina (1996)

¿Habrá alguien en este país quien no canonizaría a la fallecida Rita Guerrero?

18 – Hoy – La Revolución de Emiliano Zapata (1972)

Estos tipos fueron un hitazo en Europa en plenos años setentas. Tocaban durísimo y ácido. Luego se hicieron una banda mediocre de baladas. Ya quisieran haber llegado al nivel de los Ángeles Negros en esa nueva fase. Como quiera, este LP es un clásico de clásicos.

17 – Bestia – Hello Seahorse! (2008)

Sí, Lo Blondo es una de las voces más impresionantes del rock mexicano. Pero no olvidemos que el sonido de Hello Seahorse! está a la altura. Una banda que apunta a volar alto.

16 – Correspondencia interna – La Gusana Ciega (1999)

En su tercer disco los Gusanos alcanzaron una cumbre creativa difícil de repetir, a pesar de que han mantenido un nivel muy alto a lo largo de toda su trayectoria.
Recomendable también: Super Bee – La Gusana Ciega

15 – Maquillaje – Zurdok (2001)

Si Hombre sintetizador no fuera tan impactante, Maquillaje estaría ubicado más alto en esta lista. Un disco precioso, delicado, irrepetible. El cierre monumental a la fugaz pero fructífera carrera de Zurdok.

14 – Lotofire – Ely Guerra (1999)

Ely Guerra iniciando su mejor momento. Sensualidad y excelente música. La máxima diva del rock nacional.
Recomendable también: Sweet & Sour, Hot & Spicy – Ely Guerra

13 – Aquamosh – Plastilina Mosh
 (1997)

Hip hop, electrónica, funk, latin, lounge. El mayor mérito de este disco de Plastilina Mosh es haber logrado un sonido único y completamente original en su disco debut.
Recomendable también: Hola chicuelos – Plastilina Mosh

12 – Mucho barato – Control Machete (1996)

La primera obra maestra del hip hop en México. Honesto, crudo, y poblado de referencias a la cultura popular y la música de Monterrey, Nuevo León. De colección
Recomendable también: Artillería pesada presenta – Control Machete

11 – ¿Dónde jugarán las niñas? – Molotov (1997)

Uf. Cuando Molotov escandalizaba a las buenas conciencias del país. Ahora no asustan ni a sus madres.

10 – Aquí – Julieta Venegas (1998)

El dark pop de Julieta irrumpió en la escena nacional con una frescura inusitada. Un disco delicado y atractivo. Luego… Julieta conoció el amor y la vida no volvió a ser igual.
Recomendable también: Bueninvento – Julieta Venegas

9 – Re - Café Tacvba (1994)

Posición que los fundamentalistas me recriminarán hasta el cansancio, pero les pido de favor no opinar hasta ver el No. 1 de esta lista. No creo que pueda agregar algo más a lo dicho sobre este disco indispensable del rock mexicano.
Recomendable también: The Re Album – Zozaya

8 – Leche – Fobia (1993)

Funk sucio y duro. Un disco impactante y poco comprendido en su época. La obra maestra de Paco Huidobro.
Recomendable también: Rosa venus – Fobia

7 – Odio Fonky – Jaime Lopez y José Manuel Aguilera (1994)

Uno de los mejores letristas y uno de los mejores músicos de este país. Sólo es necesario apuntar que en este disco apareció “Chilanga banda”.
Recomendable también: Primera Calle de la Soledad – Jaime López / Yendo al cine solo – José Manuel Aguilera

6 – Urbanhistorias – Rodrigo González (1983)

Todavía paso noches pensando hasta donde habría llegado Rockdrigo de no ser por aquella sobredosis de cemento y ladrillos en el terremoto del 85.

5 – El circo – La Maldita Vecindiad y Los Hijos del Quinto Patio (1991)

Un disco lleno de poderío y vida. Dice la leyenda que fue la obra maestra del Tiki, guitarrista cuya partida de la Maldita causó que jamás pudieran lanzar otro disco a la altura.

4 – Hombre Sintetizador – Zurdok (1999)

El sonido de los grillos en la noche de Santiago, Nuevo León al final del bonus track de “Cuantos pasos”. La orquesta sinfónica en “Luna”. El arpa y el vocoder en “Hombre sintetizador I”. La electrónica abstracta de “Hombre sintetizador II”. Banjos, xilófonos, pianos, guitarras eléctricas. Zurdok grabó en 1999 uno de los discos más desbordadamente hermosos de la música mexicana.

3 – Tempestad – La Barranca (1998)

El disco que Saúl Hernández habría matado por grabar. Una obra monumental, demoledora, oscura, densa. José Manuel Aguilera en otra de sus cumbres creativas. “La caída” y “Día negro” quizá sean algunos de los tracks más fenomenales del rock mexicano.
Recomendable también: El equilibrio de los jaguares – Jaguares

2 – El Silencio – Caifanes (1992)

La producción de Adrián Belew, Alejandro Marcovich en la cumbre de su exploración sonora, Saúl Hernández derrochando poesía. Para describir la grandeza de este disco sólo es necesario apuntar el fade out de “Piedra”, mezclado con un sample de banda sinaloense. Un disco inmortal.

1 – Reves/Yo Soy – Café Tacvba (1999)

Romper con todo. Reinventarse. Volver a crear. De la nada. Revés es de esos discos inesperados, impactantes, que se vuelven clave a medida que pasan los años. Instrumental. Donde participan desde el Kronos Quartet hasta el zapateado de la Compañía Nacional de Danza Folklórica del INBA. Yo Soy, por su parte, está casi al nivel de Re, con su fascinante mezcla de estilos y géneros, pero barnizado por una suave capa de melancolía y reflexión. Nadie, repito, nadie, podrá igualar la significación de este disco en la historia de la música mexicana.

Si hay un deporte que me aburre de sobremanera es el beisbol. Por ello me he decidido a traducir una de mis columnas favoritas de Hunter S. Thompson.

Como sabrán, Hunter es autor de Miedo y asco en Las Vegas y creador del llamado periodismo gonzo. Al final de sus días, su última labor periodística fue como columnista de deportes en ESPN. Uno de sus textos más mordaces es este, donde se “inventa” nuevas reglas para reducir el aburrimiento que implica un juego de beisbol. Disfrútenlo.

El beisbol se ha vuelto incontrolable

Hunter S. Thompson

Hey, ¿qué tal? Soy Thompson, y no tengo mucho tiempo para este asunto, así que empecemos de una vez para terminar rápido. Mi trabajo es concebir un nuevo reglamento para acortar el tiempo que toma un juego de Grandes Ligas de beisbol, o de cualquier otro tipo.

Todo mundo está de acuerdo en que las reglas del beisbol deben ser acortadas, pero nadie hace nada, y mientras tanto, los juegos se alargan más y más. El viejo argumento de la popularidad no funciona después de medianoche, cuando los asientos se vacían y las cadenas de televisión se cabrean cuando tienen que reembolsar dinero a sus anunciantes a medida que los raitings caen en picada. La lucha libre y el golf son mejor apuesta que los juegos de beisbol. No he ido a un juego en 20 años y espero no hacerlo jamás. Ni si quiera estas nuevas reglas me harían regresar a un parque. Pero soy un Maestro de la Sabiduría, ya saben, un hombre profesional, y mis amigos en el negocio me han pedido que le eche un vistazo al problema, lo cual he hecho, y esta es mi solución, para bien o para mal.

Estoy totalmente consciente de la molestia que causa que alguien se meta con el Pasatiempo Nacional… pero debe de hacerse, y si no lo hacen ustedes, alguien más lo hará. He aquí el plan.

Eliminar al pitcher. - Esto bajará al menos una hora a la duración del juego, que actualmente ronda por las 3 horas y 42 minutos. Un juego de Serie Mundial puede incluso tomar 5 horas y 20 minutos, lo cual es infumable para cualquiera, excepto para los pitchers. Ok, entonces eliminémoslos, que nadie los echará de menos. Los pitchers son un grupo de cabrones mimados que ganan millonadas y no tienen otra función más que alargar o interrumpir el juego.

Limitar los juegos a tres horas. – Al igual que el futbol americano, el basquetbol y el hockey, el beisbol durará un tiempo determinado. El marcador a ese momento será el final, basado en la acumulación de bases totales a lo largo de tres horas.

Los corredores podrán llegar a cualquier base (pero no de regreso) – De la primera a la tercera, segunda a home, etcétera. Al no haber pitcher en el juego será posible y atractivo este barullo a lo largo del infield.

Todo el pitcheo, por cierto, será lanzado por una máquina bien calibrada que emergerá del montículo, pitcheará y volverá a introducirse, dejando el campo libre para los corredores… Si un bateador conecta un cuadrangular con casa llena, por ejemplo, su equipo se anotará 16 bases (o 16 puntos), pero si  hay 3 up and 3 down en un inning, el equipo se quedará sin puntos.

¡Imaginen un 22-5, o un 88-55! Sí, señor, tendremos marcadores abultados y acción constante en tan sólo tres horas.

Los héroes del juego serán los catchers, en lugar de los pitchers. Los catchers dominarán el juego y serán los mejor pagados. Sin pitcher en el montículo para cortar el flujo, los corredores se estarán moviendo al ritmo del bat, y será trabajo del catcher cazarlos a como le sea posible. Pies veloces y lanzamientos poderosos serán lo primordial. Ya no aparecerán en la TV los managers y suplentes rascándose la cabeza por horas, ya no habrá lanzamientos débiles a primera, no más signos y gesticulaciones, ni agónicos close-ups mientras bateos de foul rebotan en el techo.

No, ya no habrá algo parecido a la base por bolas. Cada bateador tendrá cinco lanzamientos de la máquina, sólo CINCO (5), y si no logra conectar, está fuera. Y el catcher controlará el tipo de lanzamiento, curva o velocidad que desee que la máquina arroje. Y ella obedecerá.

Esas pinches máquinas pueden lanzarte un slider a 98 millas por hora cinco veces seguidas sin ningún problema. Pueden lanzarte nudilleras esquivas y curvas medialuna, todo depende de lo que el catcher decida a través de su control remoto. Incluso puede ordenar que el bateador sea golpeado en las costillas por una pelota rápida de 102 MPH, aunque eso le costaría a su equipo DOS (2) bases en vez de una. Además de que a nadie le gustaría enfrentarse a un cubano lastimado en las costillas cuando las cosas van 31-30.

Ok, es todo por ahora. Ya es tarde y he escrito demasiado, pero el concepto es firme, y estoy convencido de que se necesita. El próximo verano ESPN pondrá mis teorías a prueba al patrocinar una serie de de juegos de beisbol bajo las “nuevas reglas” en New York, Chicago, Omaha y Seattle, entre otras ciudades… Los boletos se agotarán, y verán a grandes talentos. Del éxito o fracaso de estos juegos dependerá el destino del beisbol en América.

Los puristas berrearán y chillarán, pero qué importa. Los puristas siempre berrean y chillan, ésa es su función. Res Ipsa Loquitor.

***

Traducción de José Juan Zapata Pacheco
Link de la columna original, en la web de ESPN

Debo confesar que yo a Wilco le había perdido la fe.

Habían entregado un par de discos (Sky blue sky y Wilco [The Album]) que me parecían rotundamente intrascendentes y aburridos.

Hace ya varios meses que Nazul Aramayo me regaló el Ashes of American Flags, DVD que me devolvió un poco la fe en los oriundos de Chicago: Ver a Wilco viajando a través del deep south, presentándose en venues tan emblemáticos como el Ryman Auditorium de Nashville, sede el mítico Grand Ole Opry  es toda una delicia para el ojo y el oído.

El punto es que no esperaba casi nada de The Whole Love. Y ahora lo celebro como una verdadera joya, un álbum que recupera los mejores sonidos que Jeff Tweedy & Co. han trazado a lo largo de su carrera: la delicadeza pop, el rock n’ roll, la disonancia noise de Yankee Hotel Foxtrot, el omnipresente alt. country. Todo enmarcado en doce preciosos temas, doce canciones perfectas en su composición y producción. Un disco que aspira a ser esencial.

Paren las prensas, que Wilco volvió a hacer un discazo.

Entrevista con Diego Moreno, director del largometraje El Pliegue, que se estrena en el 7 Festival Internacional de Cine de Monterrey.

“En El pliegue me distancié todo lo posible de la narrativa convencional, privilegiando algo que está relegado por la ideología prevaleciente: el pensamiento. Quiero decir que el cine tiene sus propios conceptos, tiene un modo de pensarse a sí mismo a través de su texto.”

Con estas palabras Diego Armando Moreno Garza presenta El pliegue, un largometraje en que las ideas y la poesía tienen más preponderancia que la historia. Algo, que sin duda, no es algo a lo que está habituado la audiencia, que siempre espera encontrar las mismas formas: tomas cortas, conflicto central…

“Todo lo que no se inscriba en ello parece despreciable y existen una serie de adjetivos o calificativos para ésta clase de cine, que, aunque no son precisamente sinónimos de mala calidad, sí lo son dentro del diccionario del consumo: aburrido, falta de fuerza o incluso unos más sofisticados como pretencioso“

Arriesgado o no, la apuesta de Diego inicia con un cortometraje, El crepúsculo (2008), que participó en selección oficial del Festival Internacional de Cine de Monterrey. Ahora regresa con un primer largometraje que también participa por el Cabrito de Plata al mejor lagrometraje de Nuevo León.

Diego, originario de Chiapas, donde ahora ha vuelto a radicar, es egresado de la Facultad de Artes Visuales de la Universidad Autónoma de Nuevo León. También cuenta con estudios de doctorado en el Centro de Investigaciones en Ciencias, Artes y Humanidades de Monterrey (CICAHM). En entrevista devela los intrincados caminos de este largometraje, del cual, dice, no le extrañaría una mala recepción.

“En el caso de El pliegue había una fábula clara hasta la escaleta. Sin embargo, en la edición comenzó a romperse y exploré lo que vengo trabajando en mi tesis doctoral, la narrativa onírica. Sobre esto último, recuerdo con mucho placer un ensayo de Albert Béguin donde nos describe ese placer tan intenso que le provoca lo irracional y ésas supuestas incongruencias del sueño: en vigilia son las cosas dispuestas en el mundo las que nos aterran o enamoran; en el sueño es distinto: la sensación provoca la imagen. En ese sentido traté de estructurar la película”.

Algo que me llama la atención, de tu corto anterior (El crepúsculo) y luego de ver el trailer de El pliegue, es el uso de la voz en off, así como el uso de otros idiomas aparte del español. ¿A qué se debe esta tendencia?

En el caso de El pliegue se debe a una necesidad de lo que alguna vez fue la historia. Supone a una mujer en México que pretende comunicarse con una persona alemana que no habla español, y hace uso del inglés en sus cartas para poder comunicarse con ese ente.

Mi nuevo largometraje, Gasáladur, que se encuentra en su problemática fase de preproducción, tampoco está hablado en español. Ésta vez es el idioma tzeltal. El uso de lenguas distintas al español ha sido una mera casualidad. La verdad es que estoy realizando un par de cortometrajes en español simplemente porque siento que ellos, los filmes, lo reclaman.

La voz off me parece bella. Es un modo de traer a la vida ésa literatura y esa expresión clara y profunda del lenguaje oral más allá de los diálogos que penden fuerte del lenguaje común. El cine es un arte que abraza a las otras artes, y creo que la literatura y la poesía deben estar siempre acompañando las imágenes propuestas por el cine. Ésa es otra cosa que he escuchado hasta la saciedad entre los cineastas, que la voz en off suena como una debilidad narrativa y cosas así. Yo no lo creo de éste modo.

¿Qué tanto se relaciona El pliegue con El crepúsculo?

Creo que estilísticamente hay muchas similitudes, además del sueño, siempre presente en lo que hago. La novela que escribí hace unos años, la que escribo intermitentemente hoy, los guiones que vengo conformando y mi tesis recurren siempre a lo onírico. Y las obras de los cineastas que me han marcado en lo más profundo: Alain Resnais, Raoul Ruiz, Jean-Luc Godard o Seijun Suzuki, presiento una atmósfera onírica que me apasiona.

¿Cómo ves el cine regiomontano en la actualidad? ¿Qué tan difícil/simple/necesario es hacer cine lejos de los grandes apoyos, producciones, presupuestos?

Es muy necesaria la producción de nuevos materiales independientes. Urge, sobre todo, distanciarse de los modos narrativos usuales -que la institución que proporciona dinero generalmente reclama- y explorar otros nuevos. Creo que la producción cinematográfica crecerá en la medida en que se busquen nuevas propuestas y no las que proponen las empresas/instituciones imperantes. Es necesario superar la religión conformada alrededor de la historia -no quiero decir que la historia no sea importante, sino que no todo en el cine debe girar en torno a ella-, como un acto de renuncia. Pienso en Godard y su declaración sobre la muerte del cine.

En El libro negro de Orhan Pamuk, un periodista estambulí narra en una columna cómo llegara el día en que las aguas del estrecho del Bósforo se sequen y pueda ver todas las reliquias que conserva en sus profundidades. Llegará hasta un viejo Cadillac negro, protagonista de una leyenda local, y raspara con un bolígrafo sus vidrios tapizados de algas y animales marinos, hasta poder observar su interior. Esta imagen de la escritura como develación de un misterio, como desdoblamiento del escritor, es uno de los muchos puntos de partida de Metal de la voz; libro en que Jessica Nieto va en pos de ese concepto esquivo que es la escritura literaria.

Más allá de las interpretaciones que nos ha dado la historia crítica de la literatura, que ha trabajado desde y por el texto ya plasmado, Jessica emprende una un viaje por la escritura literaria desde una perspectiva metafísica hasta el momento en que ésta se marca sobre el papel. Esas pre-estancias de la escritura literaria (la escritura como desdoblamiento, como espacio, como superación del instante y como memoria) van marcadas por el concepto de silencio. “A la literatura le concierne el rescate del silencio”, apunta Jessica, y es ahí donde la literatura dota de sentido a las pausas, a los espacios vacíos, al blanco, al fragmento.

Metal de la voz es un libro cautivador, a mitad de camino entre estudio literario y ensayo poético. Sin embargo, ¿de qué otra manera podría ser cuando se habla de esencias metafísicas, de escrituras que resuenan en otras escrituras, de memoria, de silencio, de espejos?

Tremenda, abrumadora, esta novela de Javier Marías.

Hace algunos años intenté leer Mañana en la batalla piensa en mí, pero el denso estilo de Marías me detuvo. Hace unas semanas retomé su lectura y, tras superar la dificultad inicial, terminé encontrando un texto conmovedor, duro, que se adentra en temas que nos son siempre difíciles de abordar: la muerte, lo que se dice y lo que no se dice, lo que pudo ser y no fue, el pasado y cómo lo narramos, “la negra espalda del tiempo”.

La anécdota no puede ser más atrayente: Un hombre, Víctor Francés, presencia la muerte de una mujer a la que apenas conoce y que lo ha invitado a cenar, mientras su marido está en Londres. Ella muere repentina y misteriosamente en sus brazos antes de perpetrar el adulterio. A partir de ese momento, llegará una cadena de decisiones e indecisiones, de posibilidades y caminos que terminarán con el encuentro de Francés con la familia y el esposo de aquella mujer.

Pero si hay algo que pesa en Mañana en la batalla piensa en mí, es la incesate presencia de los fantasmas del pasado, mezclados y alojados “en nuestras cabezas a falta de lugares más confortables, debatiéndose contra la disolución y queriendo encarnarse en lo único que les resta para conservar la vigencia y el trato, la repetición o reverberación infinita de lo que una vez hicieron o de lo que tuvo lugar un día: infinita, pero cada vez más cansada y tenue”.

El periodismo, además de ser una de las más indispensables fuentes de la historia, tiene el maravilloso privilegio de incidir en ella. Historia y periodismo van de la mano en un juego de retroalimentación, de coincidencias, de aciertos y errores.

El periodismo incide en la historia por su propia naturaleza. El tránsito de la información implica, en sí mismo, una interpretación y una toma de postura ante los fenómenos que el reportero presencia y apunta.

Este 2010, el gobierno de México impulsa la celebración de un suceso de hondas resonancias, el Bicentenario de la Independencia y el Centenario de la Revolución Mexicana. Aunque en lo personal me encuentro en desacuerdo con muchas de las premisas del festejo, el suceso es una inmejorable oportunidad para reflexionar no sólo en torno al pasado de nuestro país, sino del presente y del futuro que aspiramos a construir.

Gustavo Mendoza Lemus, reportero de Milenio Diario de Monterrey, ha sido uno de los más aguerridos periodistas del norte de México. Fiel al dato duro, y a una ética y congruencia poco común entre los periodistas mexicanos, ha sido uno de los más críticos seguidores de todo el proceso que ha significado la celebración del Bicentenario y el Centenario en Nuevo León.

En el camino ha ido dejando, en sus breves notas de la sección cultural de citado diario regiomontano, retazos de historias, entre personajes, sucesos y lugares que nos llevan otra vez al pasado, a los turbulentos años de las revoluciones del siglo XIX y XX

En estos textos, por su premura, estrechada además por las siempre engorrosas limitaciones de espacio en los diarios mexicanos, es difícil encontrar los tan aclamados recursos del periodismo narrativo o del gran reportaje.

El de Gustavo es un periodismo económico, ligero en su expresión y lectura, en la que, antes que emitir su propia voz o su crónica, son los otros los que van trazando estos nombres, sitios y hechos.

Ánimas no es un libro para investigadores, especialistas o historiadores. Es para el ciudadano de a pie, que puede abrir cualquiera de sus páginas y encontrar un dato nuevo, una historia curiosa o algún personaje olvidado por la siempre compleja historia regional y nacional.

Por las páginas de Ánimas, antropólogos, historiadores, cronistas, literatos, críticos de arte, investigadores y creadores dan cuenta de leyendas como las generadas con la presencia del Centauro del Norte en Monterrey, los monumentos de la ciudad o la participación de la mujer en los movimientos históricos.

Además, cierra el libro una reflexión crítica de Mendoza Lemus sobre la significación política y cultural de los festejos del Bicentenario, especialmente en Nuevo León, así como una cronología de los sucesos más importantes al respecto.

Sirva pues este libro como un ameno recuento de datos curiosos, investigaciones y viñetas históricas, con ese sabor atemporal y ligero que siempre brinda el mejor y más seductor periodismo. Periodismo que a la postre también terminará nutriendo las páginas de la historia.

Prólogo al libro Animas. Todos aquellos días, de Gustavo Mendoza Lemus, editado por la UANL en la colección “Los centenarios”, en 2010.