“El contar una buena historia sigue siendo la base” (Entrevista con Joseph Beyer)

Joseph Beyer es programador del Festival de Cine Independiente de Sundance

-Con el desarrollo de la tecnología, sobre todo en los medios de filmación, ¿ha cobrado mayor importancia el cine independiente?
-Sólo podría hablar de la experiencia norteamericana, y sí, en Estados Unidos el cine independiente se ha trasladado de la independencia al mainstream. Por ejemplo, a finales de los noventa hubo una serie de películas en Estados Unidos que fueron importantísimas porque trasladaron el movimiento independiente al sistema de los estudios. Éste no tenía el apoyo de Hollywood antes de eso. Hubo una película en particular, Sling Blade, de Billy Bob Thornton, quien la escribió y dirigió, que luego fue nominada para dos premios de la academia. Se trata de una película muy sencilla, hecha con muy poco dinero. Ese incidente fue la chispa que provocó un enorme interés en los estudios, que habían ignorado a los filmes independientes por veinte años, para que comenzaran a trabajar con este director.También tienes a alguien como Steven Soderbergh, que estrenó su primera película en el Festival de Sundance, Sex, Lies and Videotape, y quince años después es uno de los directores más grandes en el sistema, y hace Ocean Eleven, Twelve y Thirteen y Fourteen (Juego de palabras en inglés respecto a película “La gran estafa” y sus secuelas).
Ese proceso de trasladar a estos directores y artistas del movimiento independiente al lado del sistema de los estudios se ha completado. El año pasado tuvimos en el Festival de Sundance una película llamada Little miss sunshine que luego se ganó el ser nominada a Mejor Película en los Óscar, lo cual es algo nunca antes visto en nuestra comunidad. Entonces, en ese sentido sí, las cosas han cambiado mucho, demasiado.

-¿Qué es lo más radical y alternativo actualmente, en cuanto a cine independiente?
-Hay cosas muy interesantes sucediendo ahora en Estados Unidos, debido a la tecnología y la habilidad de usar la Internet y la distribución digital. Los cineastas muy experimentales no están trabajando sólo con el proceso visual y de fotografía, sino que también están experimentando en los campos de la narrativa, la historia y la estructura. Sus películas nunca habían tenido la oportunidad de alcanzar el tipo de audiencia que pudiera apreciarlos o emocionarse con este tipo de trabajos, pero ahora los canales alternativos de difusión han ido creando comunidades de interés en filmes muy experimentales.
Sundance ha tratado de apoyar esto durante muchos años, tenemos una sección del festival que es dedicada no sólo a trabajos experimentales, sino a llevar artistas que realizan su trabajo en diferentes medios: fotógrafos, pintores, sonorizadores, músicos, y otra gente que está experimentando con sus propias formas de arte. Ahora tenemos un foro que desarrollamos para que estos artistas se conecten con los cineastas, y vemos cómo las ideas pueden influenciarse mutuamente. Es algo que solía ser muy marginal y ahora es muy celebrado y existe un gran interés; es interesante ver cómo se desarrolla, porque, cuando empezó, el cine experimental se encontraba mucho a la sombra.

-Finalmente, con estos nuevos medios de distribución, ¿cuál es el futuro del cine?
-Hay algo muy interesante con la experiencia que implica ver una historia a través de la tecnología, que es muy individual. Yo encuentro que cuando me gusta una película o un corto, cuando me engancha a través de una pequeña pieza de tecnología (un reproductor portátil, por ejemplo) me concentro en ella y hay cosas que disfruto más porque estoy solo con el filme. Al mismo tiempo, esto nunca podrá reemplazar el sentimiento que una audiencia le brinda a la obra, y esa experiencia colectiva es precisamente el por qué estos eventos son tan importantes. Hay una conexión al nivel humano, que crea una dinámica diferente que el ver una película individualmente.
Estos reproductores portátiles son buenos para áreas del mundo que no tienen acceso a cinetecas o festivales de cine, etcétera. Me parece muy interesante y la mayoría de los cineastas en Estados Unidos están muy concentrados en cómo usar la tecnología. Pero todavía hay la creencia de que ir a un teatro, que se apaguen las luces y aparezca la magia de la luz en el celuloide es la meta número uno de cada artista que trabaja en el cine.
Al mismo tiempo hay directores impresionantes: David Lynch está haciendo un montón de trabajo que está siendo sólo producido para el Internet, así como hay también un documentalista, Robert Greenwald que hace documentales muy críticos acerca de la guerra en Irak, o la empresa Wal Mart, y para él la Internet es la manera más rápida de llegar a su audiencia. Hay también una nueva estructura de directores que a los que no les interesa los festivales, la televisión o los cines, y sólo se concentran en You Tube e Internet.
Hablaba hace una semana con un amigo acerca de qué tan diferentes eran los directores nacidos hoy que los que nacieron hace veinte años. Y, tan sólo desde el inicio, está la experiencia completa de cómo llegar a amar el cine o como se puede acceder a él; la idea de que alguien puede usar ahora un servicio como Netflix, en el que no se requiere ir a una escuela de cine para ver una gran cantidad de películas, hace que pudiera yo educarme a mí mismo. La gente joven está más preocupada en cómo usar la tecnología, pero el valor principal permanece intacto: una buena historia, que le diga algo a la audiencia, que la mueva. Si estos elementos están ahí, no importa si la pantalla es grande o pequeña, no importa. Los valores son los mismos. Todas las cosas cambian, pero el contar una buena historia sigue siendo la base.

En El Porvenir
28 de octubre de 2007

Generik Vapeur

Hay momentos en los que uno sabe que está en el momento y en el lugar indicados. Así me han hecho sentir las tres noches en que Generik Vapeur ofreció su Conférence des Chevaux en la pista de Parque Fundidora, durante el Fórum. Más belleza y poesía no puede haber en un desfile pleno de imágenes, de fiesta, de pirotecnia, de ideas. Teatro de calle como sólo los franceses saben hacerlo.
Ballenas, pegasos, campanas, caballos: símbolos que nos remiten a Grecia, a la Biblia, a las historias nacionales, a las historias personales de cada uno. Es un llamado a los sentimientos, a la memoria, enmarcado por una música hermosa, de dimensiones épicas, por luz y video, por un aire nocturno y fresco de tres noches que quedrán siempre en la memoria de los centenares de asistentes.

Jessica on Conférence des Chevaux

The Goddess Bunny

Recientemente en el You Tube ha surgido un video que ha dejado a más de dos con pesadillas toda la noche. Se trata de un video extrañamente titulado “Obedece a la morsa“, un burdo montaje de audio sobre un fragmento del video de un macabro personaje bailando tap con paraguas.
No hay nada nuevo bajo el sol. Ya se ha comentado en la red que el personaje del video se trata de Johnnie Baima, alias “The Goddess Bunny” un travesti que sufrió de polio durante su infancia. Lo que no es muy difundido es que se trata de una personalidad conocida del underground de Los Ángeles, como actor y artista. Es memorable también su participación en el video “Dope show” de Marilyn Manson.
El video del tap forma parte de un documental del cineasta Nick Bougas, quien tomó a The Goddes Bunny como pretexto para configurar un documental del mismo nombre, de 1998, en el que exploraba la vida artística de este freak del mundo subterráneo angelino, así como de otros amigos suyos.
Hay una fanweb en inglés (www.goddessbunny.com) dedicada a Baima. De ella extraigo y traduzco un fragmento de una entrevista a Nick Bougas que da más detalles del asunto:

¿Cómo surgió la película The Goddess Bunny?
Alrededor de los ochenta y los noventa me relacioné con un selecto grupo de la escena contracultural del area de Los Ángeles y los alrededores. Juntos forjamos una especie de escena anti-artística, que festejaba los temas oscuros y misteriosos inundándo todo de imagenes de asesinos seriales y rarezas humanas. Yo era un tipo ocupado durante este periodo: hacía escándalo con ilustraciones irreverentes para revistas como Answer Me de Jim Goad y realizaba excéntricos documentales como las series de crímenes verídicos Death Scenes y la biografía en video de de Anton Lavey, Speak of the Devil. The Goddes Bunny era una integrante periférica del grupo, un fenómeno (freak) bien conocido localmente, que siempre aparecía en clubs y ocasionalmente en los filmes subterráneos del director John Aes-Nihil. La primera aparición amplia de Bunny vino con un video tristemente célebre que todo mundo llamó “el video de tap”. Este baile consistia simplemente en Bunny con un vestido pequeño y adornado haciendo algunos pasos sencillos mientras empuñaba una sombrilla. A pesar de que era básicamente una escena inocente y casi pintoresca, el video tiene la tendencia a poner nervioso a los no iniciados… pareciera como si la escena de un individuo horriblemente malformado tratando de hacer algo gracioso fuera algo insoportablemente horroroso para la mayoría de la gente. Bunny también era la protagonista de montones de historias alocadas y escandalosas. Esos cuentos me parecían ridículos, dadas las condiciones físicas de Bunny, pero resultaban siendo siempre ciertos. Más adelante me fui sumergiendo más y más y más en el bizarro mundo de Bunny, y, después de un tiempo, comencé a verlo como algo impresionante, como alguien que contaba una saga personal verídica y fascinante, que eclipsaba los filmes dramáticos o las actuaciones en vivo en que participaba. Con el tiempo le propuse a Bunny ser objeto de un documental, y ella entusiastamente aceptó”.

El resto de la interesante entrevista la pueden encontrar (en inglés) en este link:
http://www.goddessbunny.com/interview.asp

De hipotermias, gringos, crack y editoriales (Entrevista con Álvaro Enrigue)

¿Hipotermia se trata de un libro de cuentos, una novela, o una novela por cuentos? ¿Cómo podríamos definir su estructura?
¿Sabes? Ya no sé bien, cada vez estoy menos seguro. Pero el proyecto era originalmente hacer un libro de cuentos consistente como una novela. Es decir, había una suma de relatos sobre la experiencia de los Estados Unidos, acumulada, porque los cuentos son algo que se va acumulando con la vida, si vives de esto. Y la idea no era publicar, que es algo que he tratado de hacer siempre con mis libros anteriores: no publicar un libro de cuentos que se acumularan, sino un libro que se pudiera leer de dos maneras distintas, que se pudiera leer como un libro de cuentos, o que se pudiera leer como si tuviera un aliento más largo, el aire seco, familiar que tienen las novelas.
La idea central es no decidir. Hay un momento muy importante en la cultura, en la película Blade Runner, en el que no se sabe si Harrison Ford es o no un replicante. Entonces le preguntaron a Ridley Scott (director) si era o no, y él respondió: “No sé”. Y a mí me gustaría responder de la misma manera. No sé si es un libro de cuentos o una novela. Creo que la idea es que no se sepa. Me parece que dependemos demasiado de los géneros y las etiquetas cuando un libro puede ser distinto, intragenérico, puede ser mezclado, puede ser algo que esté en medio.

“La mejor obra de Kapuscinski es la que nunca escribió” (Entrevista con Agata Orzeszek)

U N O . Como si fuera pura coincidencia, cuatro meses después del fallecimiento del periodista Ryszard Kapuscinski la revista polaca Newsweek publicó que el reportero fue colaborador de los servicios de inteligencia: un espía del régimen comunista. Factor que le permitió viajar por África y así legar sus memorables volúmenes de reportajes.
Para Agata Orzeszek, quien tradujo la totalidad de la obra de Kapuscinski al español, el asunto no tiene otra respuesta, la falsedad. No es necesario, incluso, preguntarle. La traductora abordó el tema de inmediato, luego de que saliera a cuento en las mesas del XII Encuentro Internacional de Escritores, para el cual dictó la conferencia de clausura el sábado 8 de octubre.
“No hay tema”, dice amable, pero firme. “Esa revista es una publicación sensacionalista, no tiene nada que ver con el Newsweek de Estados Unidos. La polaca es una revista sensacionalista”.
Ágata criticó las “ganas de llenar de mierda una autoridad moral” para obtener sólo un momento de gloria. “Pero esto se va a acabar, y Kapuscinski permanecerá, así que de qué vamos a hablar. No hay tema”.

-Además ¿es evidente el oportunismo?, aprovechando el reciente fallecimiento de Ryszard.
-Lo que pasa es que esto en Polonia es constante. En el extranjero ha trascendido sólo lo de Kapuscinski porque su obra tiene reconocimiento en el exterior, pero los están machacando a todos-, comentó refiriéndose a los intelectuales. -Así que ya ve, no hay tema.

-¿Y cómo ves el estado de la prensa polaca actualmente?
-Para empezar yo vivo en Barcelona. Leo prensa polaca, pero la que yo elijo. No leo la prensa gubernamental porque lamentablemente es mucha. Demasiada gente que se ha amoldado perfectamente y ha adoptado el discurso nacional-católico que es ahorita el que se lleva en Polonia. Pero está también la otra prensa que yo leo, que no ha adoptado ese discurso y tampoco es lo contrario, pero por lo menos es más abierta. Por comparar, diría que hay tres publicaciones que leo en Polonia contra trescientas que son ilegibles. Esperemos que pase esta especie de epidemia y ya volveremos a leer más adelante”.

D O S . Agata es una mujer dinámica y alegre. Se muestra sumamente abierta y gustosa de hablar de Kapuscinski, quien fuera homenajeado en esta edición del Encuentro Internacional de Escritores.
En una entrevista de José Garza, que publicara recientemente la revista Armas y letras, Ágata confesó que traducir a Kapuscinski es traducir a un amigo. Ella misma fue la que promovió a la editorial Anagrama la publicación de sus textos.
Actualmente, según me explica, está preparando una nueva edición de La guerra del futbol, colección de reportajes en América Latina, África y Chipre. Originalmente, detalló, Ryszard propuso dos versiones del texto, así que hay reportajes que no se incluyeron en la versión publicada. La nueva edición los incluirá todos.
“Me ha estado gustando mucho este encuentro”, confiesa Ágata. “Kapuscinski es una excusa; hay algunos ponentes que han hecho sus intervenciones alrededor de la obra, y hay otros que sólo han cogido una frase o algo así y han desarrollado a partir de esa cita una intervención dentro de su campo de trabajo”.
“Sobre todo he descubierto una importante vitalidad. Kapuscinski me lo dijo en una de las conversaciones que tuvimos alrededor de sus libros de América Latina: ‘Es un lugar maravilloso porque aquello hierve, hay un montón de ideas, impulsos nuevos. En Europa estamos prácticamente muertos…’. Y eso es lo que he comprobado, hay un bullicio de ideas, de teatro, de poesía, de compromiso, mucha gente comprometida consigo mismo, con su quehacer”.

-¿Logró entender Kapuscinski la realidad latinoamericana? Recuerdo un fragmento de La guerra del futbol donde confiesa que cometía error tras error tratando de descifrar la política en estos países.
-Él era tremendamente modesto, cuando decía que no lo lograba entender algo es que inmediatamente hacía todo por hacerse de la información necesaria para comprenderlo. Cuando estuvo participando en los talleres de la Fundación Nuevo Periodismo y García Márquez lo presentaba como el gran maestro, Kapuscinski se sorprendía del ímpetu de los periodistas jóvenes, de los que decía aprender mucho. Mencionaba: ‘Ojalá yo en mis tiempos hubiera tenido esta clase de talleres’. Incluso cuando la gente conversaba con él, más que entrevistarlo él los entrevistaba.

Kapuscinski estudió historia, luego se dedicó al periodismo. “El periodista es un historiador”, explica en Los cínicos no sirven para este oficio. ¿Hubo alguna contribución por medio de su obra a las técnicas de la historia?
Sin duda alguna el historiador se encontraba en él, y bien afianzado. Él era un historiador en el momento mismo de su surgimiento, in statu nascendi. Al terminar la universidad se le abrían sólo tres posibilidades: Trabajar de archivista, quedarse de docente, o estudiar la historia in statu nascendi. Y este tercero fue el camino que siguió.

T R E S . A la salida de una mesa de trabajo abordo a Agata Orzeszek. Su presencia es misteriosa. Delgada, elegante en el vestir, su cabello es lacio y corto. Tiene una mirada intrigante, europea, ojos azul grisáceo. Un aire de complicidad y una sonrisa que no se evapora.
Al ver la grabadora digital abre más sus ojos: “Qué cosa más impresionante, ¿no será usted un espía?”, pregunta entre risas. De ahí parte para negar las acusaciones sobre Ryszard. Pero, gajes del oficio, la batería se agota a media entrevista y debo continuar con los recursos ancestrales de la memoria y las notas. Las últimas preguntas tienen más un aire de charla informal en el pasillo del museo, que de una verdadera entrevista.

-Eres una de las personas que mejor conocen la obra de Kapuscinski…
-Así es, la he visto por arriba, por abajo, por la izquierda, la derecha, la desmantelé y volví a montarla en otro idioma.

-…entonces, dejando de lado la labor de traductora, ¿cuál es tu libro favorito de Ryszard?
-Aquél que no pude leer, todos esos textos que no había escrito. También Un día más con vida, su obra más personal, más poética. En la que narra la soledad y el cómo la vida siempre pende de un hilo. De hecho, al traducirlo quería titularlo “Un día más arrancado a la muerte”, porque así se acercaba más a la expresividad del título original en polaco. Sin embargo decidí dejarlo como está porque Kapuscinski usa la palabra “vida” y quise respetar ese aspecto. Pero el título en polaco es sumamente expresivo. 

En el suplemento Semanario del periódico Vanguardia
No. 91. 15 de octubre de 2007

Una entrevista con Iraida Noriega

Una entrevista con Iraida Noriega, antes de su participación en la Carpa Cabaret del Fórum Universal de las Culturas.

¿Qué evoca para ti la palabra “cabaret”?
Es muy loco porque como que “cabaret” lleva implícito toda una cuestión de show, personaje y teatralidad. Y siento que, por lo menos hasta este punto de mi vida, todo mi ejercicio ha sido justamente lo opuesto.  No instalarme en un personaje, sino tratar de llevar la persona que soy al escenario. Tener en valor de abrirte y decir “esto es lo que soy”. Pero bueno, supongo que eso en sí mismo es un show (risas).
Evidentemente es muy emocionante. Ayer que estábamos en el ensayo, veía la pista y me metió en un trip literalmente de los cuarentas, cuando salía la banda y la morra con su vestido y cantaba, y la gente se paraba a bailar. Bueno, no se si van a parar a bailar, la neta, pero de pronto me evocó ese espíritu y es precioso.

En tu nuevo disco interpretas canciones clásicas de autores como María Greever, Álvaro Carrillo, Agustín Lara. ¿Cómo fue el reto de revisitar estas canciones por medio del big band?
Más que reto, era algo natural. Siempre ha habido un debate en México, sobre todo en el ámbito cultural, acerca de si el jazz es mexicano o no, y, por lo tanto, sobre si lo dejamos entrar o no… Cuando mientras en lo que son peras o son manzanas en México ha habido un movimiento jazzístico desde principios del siglo. Y si lo pensamos desde la perspectiva del asunto improvisatorio, hay que ir a escuchar a los jaraneros en Veracruz, cómo improvisan todo el tiempo no nada más  melodías, sino poesía, y dices: “broder, la improvisación es parte de nuestro estar”. Y si hay algo que es cierto de México es eso, porque donde no hay infraestructura se inventa; en donde dicen que no se puede, de todas maneras se puede. Es como parte de nuestro ser. En función de eso, abordar las canciones de los cuarenta como un standard de jazz de Cole Porter, pues es algo que ya estaba sucediendo en el mundo en los cuarenta.

Hablas de la improvisación, ¿crees que en la educación musical en México existe poco espacio para las técnicas jazzísticas o populares?
Como escuela sí, porque está muy polarizado por un lado el conservatorio, y por otro todo el resto de la música, la música popular, como si fuera una cosa como que… (hace un gracioso gesto de desprecio). Lo cierto es que la música popular tiene una buena formación “de la calle” tal cual, pero al pasar de los años también ha conseguido su organización, su forma de transmitir ese conocimiento de unos a otros. Ahorita tengo la suerte de participar en una escuela que se llama DIM; privada, pero alivianada en cuanto a costos, que un poco lo que está ofreciendo es transmitir la formación o el conocimiento de los géneros populares, sea el jazz, el folclor, el funk, el blues, el rock, todo aquello que no cabe dentro de un conservatorio; transmitirlo con un poco de organización, con el afán de que haya más seriedad en cuanto a la formación y más seriedad y respeto hacia estos géneros, porque de repente “improvisar” suena a como que cualquier hijo de vecino mañana empieza a inventar cosas y no es así, tiene toda una talacha y una cuestión de trabajo e introspección profunda.

¿Cómo percibes el jazz reciente en México? El jazz joven, por ejemplo bandas como Los Dorados o Muna Zul
(Iraida se emociona al oír el nombre del trío Muna Zul y exclama: “¡Mis niñas!”). Increíble. Me siento muy afortunada de que este sea el momento en que me toca hacer música, junto a mucha otra gente. Un momento en que se desmonopoliza todo el asunto, ya que antes si no era por una cadena o una ruta ya trazada no había forma. Y ahorita el movimiento independiente y el iTunes y todas estas cosas hacen que te metas a Internet y te des cuenta que habemos 40 mil millones de pelados haciendo cosas chidas. Estamos en un movimiento fuerte, sólido, y hay que aprovechar eso, es nuestra responsabilidad hacer que eso perdure y pase a otro nivel.

Quiero mencionarte algunos nombres de cantantes y que me digas qué te evocan o qué opinas de ellas. La primera es Ute Lemper, quien hace unos días se presentó en Monterrey.
Me impacta su fuerza. Su fuerza escénica, todo ese temple y ese carácter, es algo que admiro y aprendo mucho de eso.

Bebel Gilberto, que también estará en el Fórum.
Fíjate, es como un bonito contraste desde mi percepción, porque por un lado está toda esa fuerza y ese drive de Ute Lemper, y por otro lado esa sutileza y naturalidad de Bebel que me seduce muchísimo

Y finalmente, alguien con quien estás vinculada íntimamente, Magos Herrera.
¡Mi hermanita! Ahí si me tocas el corazón muy cañón, porque tuvimos una tocada la semana pasada en Chihuahua y pues la verdad es que la vivencia con Magos es increíble, porque compartimos música, compartimos vida, compartimos todo. Ahora nuestros caminos de vida se separaron, ya que se fue a vivir a Nueva York, y lo interesante es que aunque estés en diferentes geografías, a nivel existencial sigues coincidiendo en los mismos puntos. Es mi hermanita, la amo.

En El Porvenir
29 de septiembre de 2007